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Premios Goya

Los Goya o Premios Anuales de la Academia son unos galardones otorgados de forma anual por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, con la finalidad de premiar a los mejores profesionales en cada una de las distintas especialidades del sector.

A imitación de los premios cinematográficos otorgados en otros países (Óscar en Estados Unidos, César en Francia…), y para premiar los mejores trabajos del cine español realizados en distintas categorías durante el año anterior a la fecha de entrega, la Academia decide crear los llamados Premios Anuales de la Academia “Goya”.

Pues bien este año el premio Goya a la mejor pélicula se lo llevó “pan negro”, el premio Goya a la mejor dirección fue para Agustí Villaronga por “pan negro”, Javier Bardem recibió el premio por actor protagonista en “Biutiful”, y Nora Novas por aztriz protagonista en “pan negro”, el actor revelación fue para Francesc Colomer y a la aztriz revelación fue Marina Comas, ambos participaron en “pan negro”, David Pinillos fue elegido mejor director novel tras dirigir “Bon Appétit”. El premio a la pélicula europea se lo llevó “El discurso del Rey” y finalmente el Goya a la pélicula hispanoamericana se lo otorgaron a ” La vida de los peces”.

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El cine de los años 30

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En la década de los años 30 en el cine nos dejo películas conmovedoras y preciosas que son: King Kong, Frankenstein y Lo Que el Viento se Llevo.

King Kong: Tal vez sea por el blanco y negro pero la primera versión sigue siendo la mejor de todas, ni Jessica Lange y los brazos mecánicos a escala de los 70, ni los efectos digitales de la primera dècada del siglo XXI han sido capaces de superarla. King-Kong es el mayor mito creado por el cine aunque basado en el arquetipo de la Bella y la Bestia, se nota la influencia del cine mudo, pero con la partitura de Max Steiner, todo ello contribuye al misterio de la isla remota donde una actriz de cine es raptada por los nativos, que necesitan una mujer hermosa para aplacar a su dios, Kong: un enorme simio que devora a sus víctimas (el simbolismo no puede ser màs sugerente). Dirigida por Ernest B Schoedsack y Merian C. Looper en 1933.

Frankenstein: El personaje descrito por Mery Selly en su famosa novela estaba más cerca de Jekill y Hyde que el de la versiòn cinematográfica de Boris Karloff, más desvinculado de su creador, escapa totalmente a su control; pero sòlo se convierte en monstruo despuès de tropezarse con la hostilidad e incomprensiòn de los seres humanos. Existe un confusiòn en el nombre ya que Frankenstein es el nombre del cièntifico que le da vida cosiendo trozos de cadàveres, que resucitan mediante descargas eléctricas, hay por tanto cierta retorica en el monstruo de Frankenstein, como hemos dicho, nos acerca más al relato de Stevenson. Fue el mayor éxito de la Universal que consiguió reputaciòn gracias a sus películas de terror cuyo uso dramático de luces y sombras, decorados tenebrosos y maquillaje exagerado había sido aprendido del expresionismo del cine mudo alemàn, resaltando los movimientos y gestos más atormentados, que tambièn podemos observar en sus secuelas como “La novia de Frankenstein”.

Lo Que el Viento se Llevo: Una de las películas màs espectáculares y románticas de la historia, basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell, dirigida por Victor Fleming y producida por David O. Selznick con la múscia de Max Steiner. Amplio reparto y 2400 extras… una superproducciòn como jamás se había visto antes de más de tres horas de duraciòn. Destaca la excelente interpretaciòn de Vivien Leigh como heroìna sudista que cae en brazos del macho más viril de la pantalla: Clark Gable, en un plano que recuerda a la inversa a la Piedad de MIguel Angel con las llamas del incendio de Atlanta como telón de fondo. Estrenada en 1939, un año excepcional que vio el estreno de otros clásicos inolvidables como “Tierra de audaces” “La Diligencia” “Beau Geste” y “El Mago de Oz”.

El cine en los años 20

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Ya en los primeros años del cine comenzaron a patentarse sistemas que sincronizaban la acción de la pantalla con el sonido grabado en discos. Estas pruebas se siguieron realizando a lo largo de todo el período mudo, pero la cinta que está considerada como la primera película sonora de la Historia es “El cantor de jazz”, estrenada el 6 de octubre de 1927 y dirigida por Alan Crosland.

A pesar de esta consideración, no era una cinta totalmente sonora. Contenía algunas canciones y varios fragmentos hablados; en uno de ellos, el protagonista, Al Jolson, miraba a la cámara y pronunciaba la primera línea de diálogo de la Historia del Cine: “¡Esperen un minuto: aún no han oído nada!”.

Después de esa frase nada fue igual y el cine mudo comenzó a ser algo del pasado. Después de este éxito sin precedentes de la Warner, los demás estudios comenzaron a producir películas que cada vez ofrecían más diálogos. La primera totalmente hablada sería “The lights of New York”, en 1928.

Sir Charles Spencer Chaplin fue un actor cómico, compositor, productor y director cinematográfico inglés. Es considerado una de las figuras más representativas del humorismo y adquirió popularidad en la época del cine mudo. Reconocido por su popular personaje de Carlitos, se destacó en cine desde principios de la década de 1910 hasta los años 1950. Filmó alrededor de noventa películas, entre ellas Carreteras sofocantes (1914), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).

Friedrich Christian Anton Lang, conocido como Fritz Lang fue un director de cine de origen austríaco que desarrolló su carrera artística en Alemania y en Estados Unidos. Durante su época alemana dirigió clásicos como Metrópolis (1927) y M, el vampiro de Düsseldorf (1931).

Desde mediados de los años 1930, trabajó en Hollywood, siendo uno de los principales artífices del género conocido como cine negro. Es también considerado uno de los grandes cineastas de la historia del cine. En sus inicios, contribuyó al movimiento expresionista alemán, con películas como Metrópolis.

El origen del cine

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El cine, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo. La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas. Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Con ello se intentaba definir el concepto de “imagen en movimiento”.

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte. Por otra parte, a la creación documental o periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado “Bollywood”; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

Los hermanos Lumière son considerados históricamente como los padres del cine. Inventaron el cinematógrafo (considerado el primer aparato de cine) basados en el kinetoscopio de Tomas A. Edison. Ellos fueron los primeros en dar propiamente una función de cine el 28 de diciembre de 1895.

David Wark Griffith fue un director cinematográfico estadounidense y considerado el creador del modelo americano de representación cinematográfica (o montaje invisible), por lo que fue llamado «El padre del cine moderno».

El acorazado Potemkin, es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta ruso Sergéi Eisenstein. Se la considera una de las mejores películas de la historia cinematográfica. El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

El encuadre

Encuadrar es la acción de seleccionar, a través del visor, aquello que el fotógrafo desea captar en una fotografía. Encuadrar significa, por tanto, establecer los límites de la fotografía y decidir qué elementos aparecerán en la imagen. En el encuadre se pueden diferenciar diferentes elementos, por un lado los elementos externos y por otro los elementos internos.

Elementos externos: formato y tamaño.

Elementos internos: escala, angulación y óptica.

La escala es la relación matemática que existe entre las dimensiones reales y las del dibujo que representa la realidad sobre un plano o un mapa.

Gran plano general: Ejemplo de gran plano general donde las personas no se distinguen, representa el escenario completo, donde se desarrolla la acción.

Plano de conjunto: Es el encuadre donde aparece un personaje con otro, es decir, en el cuadre final aparecen dos personas o más.



Plano entero: Retrata a las personas enteras, es el plano perfecto para describir el aspecto.

 

Plano general:  Presenta a los personajes de cuerpo entero y muestra con detalle el entorno que les rodea.

Primer plano: en el caso de la figura humana recogería la cara y los hombros.

Gran primer plano: Capta el rostro desde  la base del mentón hasta la parte de arriba de la cabeza.

Plano americano: Es aquel que recorta la imagen por las rodillas.

Plano medio: Es la distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos, como es el caso de las entrevistas.

Gracias a la angulación se pueden distinguir varios tipos de ángulos en las imágenes.

Ángulo medio, normal o natural: Este plano se utiliza para dar naturalidad a la imagen.

Ángulo picado: Este ángulo sirve para dar inferioridad a alguien o a algo. La cámara se situa por encima de los personajes.

Ángulo contrapicado: La cámara se situa por debajo del personaje o cosa, sirve para dar superioridad de algo.

Ángulo holandes o aberrante: La cámara se encuentra inclinada a unos cuarenta y cinco grados, esta imágenes nos muestran movilidad.

Ángulo cenital: La cámara se situa en un ángulo perpendicular a los personajes.

Ángulo nadir: La cámara se situal perpendicular al suelo.

Ángulo imposible: La cámara se situa en una posición imposible, tine una gran ayuda de los trucos de la imágen y el decorado.



La óptica es la rama de la física que estudia el comportamiento de la luz sus características y sus manifestaciones. Abarca el estudio de la reflexión, la refracción, las interferencias, la difracción, la formación de imágenes y la interacción de la luz con la materia. Estudia la luz, es decir como se comporta la luz ante la materia. Hay tres tipos de objetivos:

Objetivo normal: Se conoce como objetivo normal a aquél cuya distancia focal es igual a la diagonal del formato en el que se expone la imagen. Con ello resulta un ángulo de visión de unos 46º, lo que se aproxima bastante al campo visual del ojo humano inmóvil.

Objetivo gran angular: Un objetivo gran angular es aquel cuya  distancia focal es menor a la del objetivo normal, resultando un ángulo de visión mayor al de la visión humana. Se usa para vistas panorámicas, como paisajes.

Teleobjetivo: Un teleobjetivo es una lente cuya distancia focal es significativamente mayor a la de un objetivo normal y por ello de menor ángulo de visión. Su aplicación es la de fotografiar objetos lejanos.

Imágenes con diferente profundidad:

 

 

Imágenes con diferente velocidad de obturación:

 

Imagenes con desenfoque

Simbolismo del color

Rojo: El rojo es el color correspondiente a la frecuencia más baja de luz discernible por el ojo humano. Simboliza la pasión y la violencia.

Azul: El color azul es una de las seis sensaciones cromáticas básicas de la visión humana normal. Simboliza al frío y la tranquilidad.

Amarillo: El amarillo simboliza la presteza, la agilidad, el cerebro izquierdo. Llamado el color de la mente, por ser el que más estimula las actividades cerebrales.

Verde: El verde es un color frecuente en la naturaleza. Simboliza la esperanza.

Negro: El Color Negro no es uno de los 8 Colores elementales, simboliza la tristeza y la muerte.

Blanco: Simboliza la pureza y la inocencia.

Funciones expresivas del color

Los colores cálidos: Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas.

Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido se complementan, tal como ocurre con un color primario y uno compuesto.

Los colores fríos: Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, de seriedad, de distanciamiento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el azul verdoso, el violeta, cian, aqua, y a veces el celeste. Un color azul acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros saturados expresan profundidad.

Este anuncio esta con colores fríos porque le quieren dar un toque de seriedad al anuncio, utilizan el blanco, el negro y el gris.

Este otro anuncio quiere transmitir una alegria y quiere invitar a los que lo vean a ir a ese sitio, por eso utilizan sobre todo el amarillo y el rojo.

ARMONÍA:  

CONTRASTE: